Dear no Go del 2011.. Una película que rinde culto a la explotación motera de los años 70

Hay películas que intentan parecerse a los clásicos y hay otras que parecen haber escapado directamente de otra época. Dear God No! pertenece a esta segunda categoría. Estrenada en 2011 y escrita, producida y dirigida por James Bickert, la película es un ejercicio de arqueología cinematográfica tan apasionado como excesivo, una obra concebida para recrear hasta el último detalle la experiencia de aquellas producciones de explotación que llenaban los autocines y las salas de barrio durante los años setenta.

La historia comienza con una banda de motoristas forajidos conocida como The Impalers. Después de un violento enfrentamiento con una banda rival, los moteros continúan su ruta de destrucción por las carreteras del sur de Estados Unidos. Lo que parece una simple película de motoristas pronto se transforma en algo mucho más extraño. La banda termina refugiándose en una aislada cabaña en medio del bosque donde vive el misterioso doctor Marco, un antropólogo caído en desgracia que esconde secretos terribles en su sótano. A partir de ese momento, la película mezcla sin ningún pudor moteros asesinos, científicos nazis, experimentos prohibidos, monstruos salvajes, psicodelia, sexo, violencia y toneladas de sangre falsa. La lógica narrativa importa poco; lo esencial es la sensación de estar viendo una cinta perdida de 1974 encontrada por casualidad en un viejo cine de carretera.

El principal responsable de semejante locura es James Bickert, un cineasta independiente de Georgia obsesionado desde joven con el cine de explotación, el horror de bajo presupuesto y las producciones más marginales de la historia del cine estadounidense. Bickert ha citado en diversas ocasiones su admiración por directores como Russ Meyer, John Waters, Jack Hill o Roger Corman, figuras fundamentales del cine independiente y exploitation. Esa influencia se percibe en cada fotograma de Dear God No!, una película que no busca modernizar el género sino reproducirlo con absoluta fidelidad.

Uno de los aspectos más sorprendentes del film es que fue rodado íntegramente en película de 16 mm en Atlanta, Georgia, durante el otoño de 2010. En una época en la que casi todas las producciones independientes utilizaban cámaras digitales, Bickert decidió trabajar con celuloide para obtener el mismo grano, la misma textura y las mismas imperfecciones que tenían las películas de explotación originales. Además, los efectos especiales fueron realizados de manera práctica, sin recurrir prácticamente a imágenes generadas por ordenador. El resultado es una imagen rugosa, sucia y envejecida que engaña al espectador hasta el punto de parecer una auténtica producción olvidada de hace cincuenta años. 

El reparto está encabezado por Jett Bryant en el papel de Jett, el líder de los Impalers. Bryant encarna perfectamente al antihéroe brutal y amoral propio de este tipo de cine. A su lado encontramos a Madeline Brumby como Edna, una joven atrapada en el horror que se desarrolla en la cabaña, y a Paul McComiskey interpretando al perturbador doctor Marco. El propio James Bickert aparece también delante de las cámaras interpretando a uno de los miembros de la banda, una costumbre muy habitual en las producciones independientes de bajo presupuesto donde todo el equipo termina desempeñando múltiples funciones.

La producción tuvo una historia tan accidentada como la película. Bickert desarrolló la idea junto a sus colaboradores Shane Morton y Nick Morgan prácticamente desde el patio trasero de su casa. El presupuesto era tan reducido que el equipo llegó a quedarse sin dinero antes de finalizar la postproducción. Para completar el proyecto recurrieron a una campaña de Kickstarter que consiguió recaudar los fondos necesarios para terminar la película y llevarla a los festivales.

Lo más interesante de Dear God No! es que no intenta ser una versión elegante o irónica del cine grindhouse, como hicieron películas más conocidas de comienzos de siglo. Mientras otras producciones utilizaban la estética setentera con cierta distancia o nostalgia, Bickert abrazó por completo la brutalidad, la incorrección política y el mal gusto característicos de aquellas películas. Yo diría que lo consigue con bastante buen acierto, pues aun cuando realmente la película puede que no sea para todos los gustos, rozando en algunos momentos el mal gusto y la violencia extrema. Si que por otro lado consiguen  llevar al espectador plenamente a aquellas películas de explotación de los años 70. 

A mi me ha sorprendido.. No esperaba encontrarme algo semejante a esto, y cuando termine de verla, quedé con un buen sabor de boda. Es cutre, con malas actuaciones, pésimos efectos especiales, pero tiene ese sabor de boca original y autentico que tenían esas viejas películas. 

Entre las curiosidades más llamativas destaca el hecho de que el cartel oficial fue diseñado por el célebre ilustrador de cine de culto Tom Hodge. También resulta llamativo que la película terminara convirtiéndose en una pequeña obra de culto dentro del circuito de festivales especializados, llegando a obtener premios y reconocimientos en certámenes dedicados al cine independiente y de explotación. Su éxito entre los aficionados llevó a Bickert a desarrollar posteriormente una especie de continuación espiritual titulada Frankenstein Created Bikers, que expandía aún más ese universo de motoristas, monstruos y locura grindhouse.

Vista hoy, Dear God No! es una experiencia difícil de recomendar al público general. Su violencia extrema, sus escenas de explotación sexual y su absoluta falta de corrección pueden resultar insoportables para muchos espectadores. Sin embargo, para los amantes del cine de culto representa algo cada vez más raro: una película realizada con auténtica pasión por un género olvidado. No es una obra maestra ni pretende serlo. Es, más bien, un homenaje salvaje, imperfecto y profundamente sincero a una época en la que el cine independiente se atrevía a ser vulgar, ofensivo y completamente libre. Y precisamente por eso sigue teniendo un lugar especial dentro del panorama del horror underground contemporáneo.

Yo os recomendaría esta película sin dudarlo, especialmente si os gusta el cine de aquellos años.. Películas de moteros, terror cutre, explotación nazi, escenas sexuales violentas y crudas, arte bizarro.. escenas que desde el presente son incomprensibles que se rodaran en el cine, y que a día de hoy, resultarían imposible que se realizaran en una película sin la correspondiente censura por parte de la nueva inquisición woke. 

El maestro de esgrima (1992)

Hace varios días que llevo buscando y viendo películas clásicas de los años 90. No me refiero a cine de terror o fantástico, sino a cine español clásico ambientado en épocas históricas de nuestro país. Muchas de ellas ya las había visto, pero por razones que desconozco, me vinieron a la mente repentinamente desde hace algunas semanas, animándome a verlas de nuevo para recordarlas y recuperarlas en mi memoria.. Así fue como llegué a la película que os traigo hoy. Todo un clásico histórico del cine histórico español. Os hablo, de la gran película de intriga política, romance, y honor que es El Maestro de esgrima. 

La obra cinematográfica se basa en la novela escrita en 1988 por Arturo Pérez Reverte llamada con el mismo título. Y aun cuando como viene siendo habitual, el libro suele ser mas profundo, reflexivo, y amplio en su contexto político, social y romántico con respecto a la película. Lo cierto es que el film respeta bastante el argumento base de la novela. 

En líneas generales nos encontramos con un argumento que gira entorno al conflicto político español del siglo 19, en los últimos años del reinado de Isabel II que terminaría con la revolución del año 1868.  

La película esta ambientada y rodada en Madrid, y la historia sigue a un prestigioso maestro de esgrima, interpretado por Omero Antonutti, un hombre íntegro, disciplinado y profundamente fiel a un código de honor que parece ya fuera de su tiempo. Su vida, regida por la rutina y la perfección técnica, se ve alterada cuando una misteriosa mujer, encarnada por Assumpta Serna, irrumpe en su mundo con el deseo de aprender una estocada secreta. Lo que en principio parece una relación de maestro y alumna pronto se transforma en algo más complejo, arrastrándolo hacia una trama de engaños, secretos y conspiraciones que reflejan la inestabilidad política del momento.

La película se rodó en 1992 en distintas localizaciones de España, recreando con notable detalle la atmósfera del Madrid decimonónico. A través de decorados interiores sobrios y elegantes, así como espacios urbanos cuidadosamente seleccionados, el filme construye un entorno verosímil que refuerza su tono contenido y casi melancólico. Las escenas de esgrima, lejos de presentarse como mero espectáculo, están tratadas con un rigor técnico que subraya su dimensión casi filosófica, como una extensión del carácter del protagonista. Ciertamente es una de las cosas que mas destacaría, los decorados y la excelente ambientación, que te traslada exactamente a le época, haciéndote casi un participe mas de los ambientes y escenarios. 

En cuanto a su recepción, la crítica valoró especialmente su cuidada ambientación, la solidez de las interpretaciones y el respeto hacia el material original, destacando la presencia de Antonutti por su sobriedad y profundidad. Sin embargo, algunos señalaron que su ritmo pausado y su tono contenido podían resultar excesivamente sobrios para ciertos espectadores, alejándose de un enfoque más dinámico o comercial. Algo que es cierto, pero que pienso, da personalidad a la película, distanciándola así de una obra comercial y pasajera, haciendo de ella por el contrario una obra de culto actual, precisamente por ese ambiente romántico, honorable y lento de su desarrollo. 

Como curiosidad, cabe destacar que esta fue una de las primeras adaptaciones cinematográficas de una obra de Pérez-Reverte, lo que contribuyó a consolidar el interés por trasladar su universo literario al cine.  Yo diría de echo, que es la mejor película del escritor trasladada al cine. Sin duda, y posiblemente, porque en la época en la que se rodó, aun no teníamos la matraca de la dictadura cultural woke, lo que permitió hace películas históricas mucho mas creíbles y realistas de las que se hacen a día de hoy. 

En conjunto, El maestro de esgrima se presenta como una obra que privilegia la atmósfera, la reflexión y el estudio del carácter por encima de la acción, ofreciendo una mirada elegante y sobria a un mundo en transformación donde el honor individual choca con una realidad política cada vez más incierta. Es una película que te mantiene constantemente dentro de una intriga política y misteriosa, pues a la sorprendente aparición de la mujer que contrata al maestro de Esgrima vasco llamado Astarloa, la van sucediendo una serie de crímenes y asesinatos de personajes relacionados con la aristocracia política del momento, que tienen como nexo común la amistad con el protagonista. Eso te hace estar atento a las escenas, pues aun cuando mas o menos puedes interpretar por donde van los "tiros", lo cierto es que no llegas a comprender la magnitud, ni el porque de todo lo que esta ocurriendo. 

El maestro de esgrima es una película que ya me gustó en su momento, y que tras verla mucho tiempo después, me ha gustado mucho más, pues como ya digo, aprendes a saborear ese cine sobrio, elegante, cuidado en diálogos y vestuarios, que ya no se hace a día de hoy. 

Muy recomendable para todos los que os guste el siglo 19 y las películas históricas españolas, el misterio y las conspiraciones políticas.  

Hoy nos vamos al cine... Toca la nueva película de Pablo Urkijo; Gaua

Una película que parodia a los slasher 80teros con un toque de humor negro

En 2010, el público del Festival de Sundance fue testigo de una joya inesperada: una comedia sangrienta que ridiculizaba los clichés del cine de terror y los convertía en una historia de amistad, confusión y muchas motosierras.
Su título era Tucker & Dale vs Evil —en español, Tucker & Dale contra el mal—, una desconocida producción canadiense que pronto se ganaría el estatus de película de culto.

Detrás de las cámaras estaba Eli Craig, hijo de la legendaria actriz Sally Field. Con apenas un puñado de cortos a sus espaldas, Craig se propuso reinventar el género slasher con un giro humorístico: contar la historia no desde el punto de vista de las víctimas, sino desde la de los supuestos “asesinos del bosque”, que en realidad eran dos tipos corrientes y bastante inocentes. Y es que ciertamente, el enfoque que se ha dado a esta película, es terriblemente original. Si de algo puede presumir, es de ser única en su especie a la hora de enfocar el mundo de los slahser. Os aseguro que no habéis visto nada que se le parezca hasta la fecha.

Los protagonistas, Alan Tudyk (Firefly) y Tyler Labine (Reaper), dieron vida a Tucker y Dale, dos amigos rurales que solo quieren pasar unos días tranquilos en su nueva cabaña junto al lago. Sin embargo, un grupo de universitarios los confunde con psicópatas homicidas y, por una serie de accidentes absurdos y sangrientos, empiezan a morir uno tras otro.
El resultado es un carrusel de humor negro, situaciones grotescas y un retrato entrañable de dos hombres incomprendidos, que a su vez no entienden lo que está sucediendo a su alrededor. Pues mientras los universitarios piensan que son salvajes asesinos en serie, actuando en consecuencia frente a ellos. Tucker y dale, piensan que los universitarios son suicidas peligrosos que quieren poder en peligro su tranquilo fin de semana vacacional. Dándose la paradoja, y ahí la moraleja del film, al menos a mi modo de ver. De encontrarnos frente a dos mundos que por suposiciones ficticias basadas en irrealidades, están dispuestos a matarse el uno al otro, no por lo que saben, sino por lo que los unos intuyen de los otros. Desencandenando cientos de situaciones absurdas, en esta maravillosa película de humor negro canadiense.  

El rodaje se llevó a cabo en los bosques de la Columbia Británica (Canadá), una elección que no fue casual. La producción buscaba ese ambiente clásico de terror en el bosque, pero querían filmar todo en escenarios naturales, sin depender de decorados artificiales. Las montañas, la niebla y las cabañas reales aportaron autenticidad a la atmósfera… incluso cuando las escenas se tornaban completamente absurdas.

Una de las anécdotas más curiosas del rodaje es que gran parte de los efectos especiales fueron prácticos, sin recurrir apenas al CGI. Las muertes —tan exageradas como cómicas— se lograron con muñecos, sangre falsa y mecanismos artesanales. Craig insistía en que el humor funcionaría mejor si el público sentía que lo que ocurría en pantalla tenía un toque real, aunque fuera grotesco.

La película se estrenó oficialmente en Sundance 2010, donde el público estalló en risas y aplausos. No era solo una parodia del terror rural, sino una crítica divertida al prejuicio: cómo los universitarios “cultos” prejuzgan a los hombres sencillos del campo por su aspecto, y cómo esos malentendidos pueden tener consecuencias fatales (y cómicas).

A pesar de su modesto presupuesto, Tucker & Dale contra el mal se convirtió rápidamente en un fenómeno de culto. Los fans del terror la recomiendan como una de las comedias más ingeniosas del género, un homenaje lleno de cariño a las películas de los 80, pero contado desde una óptica completamente nueva.

Hoy, más de una década después, sigue siendo una referencia obligada cuando se habla de terror y humor. Eli Craig nunca volvió a repetir el mismo nivel de éxito, pero dejó una marca imborrable con una historia tan sangrienta como entrañable, que nos recuerda —con cerveza en mano y motosierra al hombro— que nunca deberíamos juzgar a nadie por las apariencias, al menos sin tener pruebas fehacientes de que nuestras sospechas son ciertas.

Los largos cabellos de la muerte (1960)

Saludos, muy buenas a todos, bienvenidos a una nueva reseña de retro video blog. Hoy os traigo un gran clásico del terror italiano de la década de los años 60. Una película en blanco y negro, oscura, lenta, agónica. Llena de paisajes rodados en castillos con ambientes tétricos, niebla, pasadizos húmedos y olvidados en el tiempo.. Todos ellos Ingredientes perfectos para un clásico film de horror gótico. Su nombre; los largos cabellos de la muerte. 

Tras este sorprendente título nos vamos a encontrar un clásico de los inicios del cine de terror italiano, dirigido por Antonio Marghariti en Febrero del año 1964. Un año sin duda muy productivo para el director italiano, pues no solo publicó la película de la cual hoy hablamos, sino que también rodó y dirigió su otro gran clásico; Danza Macabra.

En los largos cabellos de la muerte, nos vamos a encontrar un film muy ambientado en escenarios tradicionales. Todos ellos cargados de personalidad inigualable, que hacen del ambiente y de ellos mismos un personaje más. Y es que a buen seguro la película no tendría la magia y admósfera que tiene, si hubiera sido rodada en otros lugares más modernos o contemporáneos. En parte por eso en Los largos cabellos de la muerte, los escenarios tienen personalidad, y añaden carisma y fuerza al film.

En líneas generales la historia nos traslada a una tardía edad media, a una noche sin luna, en algún rincón de un feudo del siglo XV. Allí el humo de una hoguera inquisitorial  se alzaba sobre la plaza mientras la lluvia empezaba a caer. Las antorchas chisporroteaban, la multitud murmuraba y el conde Franz Humboldt, con gesto de mármol, firmaba la condena de Adele Karnstein, acusada de brujería y de haber asesinado al hermano del conde.

Nadie se atrevió a decir que aquella acusación de brujería no era más que un disfraz para un deseo inconfesable. Pues aun cuando en ningún momento se dice en la peli, el director deja caer entre líneas, que el conde deseaba las tierras de Adele.

Ante la imposibilidad de ello, el aristócrata decide ejecutar a Adele bajo culpas falsas. La bruja ardió entre el crepitar de la leña, bajo la mirada de sus hijas: la mayor, Helen, y la pequeña, Lisabet. Helen, la mayor,  tuvo la osadía de enfrentarse al conde y exigir justicia; algo que lamentaría.

Lisabet, la pequeña fue acogida en el castillo del vil noble, donde creció como prisionera hasta convertirse en la esposa forzada de Kurt Humboldt, sobrino del maligno conde, un joven tan hermoso como ambicioso y maquiavelico.

Mucho tiempo después, cuando casi todos habían olvidado lo sucedido, llegará al feudo una sorprendente mujer de nombre Mary. Una mujer cuyo rostro se parece sorprendentemente a la ejecutada Adele.. Y cuya presencia en el feudo y castillo, cambiará la vida en el lugar para siempre.

Así empieza la historia que Antonio Margheriti llevó al cine en la década de los 60 bajo el título original de Il lunghi Capelli de lla morte, conocida en España como Los largos cabellos de la muerte y en mercados internacionales como The Long Hair of Death. Filmada en un blanco y negro de textura mineral por Ricardo Palotini, la película se rodó entre las piedras húmedas del histórico Castello Masimo de Arsoli, en la provincia de Roma, utilizando algunos decorados exteriores de los estudios de de Cinecità.

El trabajo de fotografía es impresionante, la cámara recorre salas, criptas y patios con un cuidado casi pictórico, mientras el montaje de Mario Serandrei —artesano mayor del cine italiano, responsable de dar forma a clásicos como Rocco y sus hermanos— imprime un ritmo de procesión fúnebre, alargando silencios y deteniendo el tiempo en momentos clave.

El reparto de los actores, no puede ser más adecuado. Lo encabeza una de las actrices icónicas del género de terror europeo de los años 60, Bárbara Steele. Su papel más popular quizás fue en la película de 1960; la máscara del demonio dirigida por Mario Bava. En los largos cabellos de la muerte, la icónica actriz británica interpreta un doble papel. Por un lado a Helen, y por otro a Mary. Sosteniendo con su presencia el magnetismo de la historia, convirtiéndose en el corazón y la sombra del relato.

La acompañan George Ardisson como Kurt Humboldt y hermosa actriz polaca Halina Zaleuska, que encarna tanto a la madre ejecutada como a la atormentada Lisabet. Umberto Rao, Laura Nuchi y Giuliano Rafaeli completan el elenco, todos ellos envueltos en el lamento musical compuesto por Carlo Rusticheli. La partitura no busca el sobresalto fácil, sino un murmullo grave que se adhiere a los pasillos como el olor a madera mojada, subrayando que esta es una historia de horror moral más que de sustos.

Algo que recalcaría notablemente, pues como buen relato gótico, Los largos cabellos de la muerte, no es una película de ritmo trepidante, ni sustos, ni sangre.. es una película donde las sombras y los escenarios oscuros propios de los castillos, dan forma al terror de lo desconocido, al misterio, a aquello que no se deja ver por la oscuridad, pero que se intuye como presencia sobrenatural que aterra a los personajes y telespectadores.

Producida por Cinegai S.p.A. y Felice Testa, la película se estrenó en Italia el 30 de diciembre de 1964, distribuida por UNIDIS. Con una recaudación cercana a los 321 millones de liras. Su metraje varía según la versión, oscilando entre los 95 y 100 minutos, aunque el corte íntegro ronda los 95–96. En 1967 llegó a los cines del Reino Unido con un certificado X de la B.B.F.C, siendo recortada y censurada eliminando algunas de sus escenas. Tiempo después sería restaurada en Blu-ray recibiemdo una clasificación 12 A sin censura.

En Estados Unidos no tuvo estreno comercial en salas, aunque sí se editó en DVD y en un Blu-ray restaurado por Raro Video en 2014. En España no existe constancia de estreno en cines en la década de los sesenta; su difusión llegó más tarde, a través de emisiones televisivas y ediciones domésticas en DVD y Blu-ray, siendo las más recientes de 2017. Algo curioso, pues su predecesora, y en buena parte obra inspiradora de La máscara del demonio, si que fue estrenada en cines de Barcelona en el año 1969.

Su recepción inicial fue desigual. El Monthly Film Bulletin la definió como “gótica y atmosférica”, pero criticó su guion errático y el doblaje torpe, añadiendo que Margheriti “no posee el talento de Bava” aunque “sale airoso” del reto. Con el tiempo, ha sido reivindicada por críticos y cinéfilos como una joya menor del gótico italiano: un relato donde la plaga de la peste que llega al condado al mismo tiempo que aparece la misteriosa mujer de largos cabellos, es tanto un castigo moral del más allá, como una metáfora. Las malas acciones en la vida, tienen su castigo y pago en el mundo de los muertos.

Entre sus curiosidades hay material para el mito, pues en algunas copias europeas circuló una breve escena de desnudo atribuida a Steele, aunque estudiosos señalan que se trataba de una doble. Por otra parte cosa habitual en muchas películas de aquellos tiempos.

Por otro lado el apellido de la familia maldita; Karnstein, evoca deliberadamente a Carmilla, de la novela de Sheridan Le Fanú, un guiño al linaje vampírico dentro del horror gótico tradicional, equiparable a los Tepes, o Daninsky del fanta terror español.

Hoy, vista desde la distancia, Los largos cabellos de la muerte es una película que recomiendo para todos los amantes del cine clásico. Especialmente para los amantes del terror italiano de la década de los años 60. Forma parte de todos aquellos films que utilizaban la fuerza de los decorados y entornos para generar terror. De ahí que diga que los escenarios son una parte  protagonista, pues ellos mismos, su ambientación y fotografía, forman parte del terror sugerido por él director. Un terror más poético que explicito. Donde la actuación de los actores, daba fuerza a la secuencia rodada con sus gestos e interpretaciones. Una película de maldiciones, brujas, seres que regresan de la tumba para vengarse de los despiadados nobles, dejando con ello en evidencia que los vivos, en muchas ocasiones, merecen más el castigo que los propios seres sobrenaturales que les castigan.

En líneas generales una película muy recomendable, lenta, pero muy recomendable. A mí me ha gustado bastante, y ha recuperado mi interés en el cine clásico de terror rodado en blanco y negro.

Messiah of Evil: El evangelio perdido del terror psicodélico

En algún rincón olvidado de la California costera, donde el mar rompe con desgana contra las rocas y el cielo parece más una amenaza que un refugio, ocurre algo extraño. No hay gritos, ni persecuciones frenéticas. Solo una quietud enfermiza, una especie de malestar contenido, como si el aire mismo supiera que algo terrible está por ocurrir. Así es el mundo de Messiah of Evil, una película rodada en 1971, pero que no vería la luz hasta 1973, y que desde entonces se ha convertido en uno de los secretos mejor guardados del cine de terror.

Dirigida y escrita por Willard Huyck y Gloria Katz, pareja en lo profesional y en lo sentimental, la cinta fue concebida antes de que ambos trabajaran en éxitos como American Graffiti o Indiana Jones and the Temple of Doom. Pero aquí no hay nostalgia adolescente ni aventuras exóticas. Messiah of Evil es otra cosa: un descenso lento y alucinado a un infierno costero, poblado por muertos vivientes que no corren ni gruñen, pero observan. Siempre observan.

La historia sigue a Arletty, una joven que viaja a un pueblo llamado Point Dume (un lugar real, pero aquí transformado en pesadilla) en busca de su padre artista, del que hace tiempo no sabe nada. Lo que encuentra es una comunidad sombría, habitantes extraños de piel cenicienta, y un misterio antiguo que parece tener raíces en la noche americana más profunda: la llegada de un "Mesías del Mal", una figura mítica que traerá una nueva era de oscuridad. La narrativa avanza como un sueño febril, sin necesidad de explicaciones, dejando que la atmósfera lo diga todo. Porque en esta película, el ambiente es el verdadero protagonista.

Y es que en líneas generales, el ambiente es onírico, surrealista y muy cargado. En momentos me recuerda a la película de Lemora. No tanto por la trama, como por su admósfera 

Rodada con bajo presupuesto y muchas limitaciones técnicas, Messiah of Evil destaca por un diseño visual que bordea lo pictórico. Los escenarios interiores —particularmente la casa del padre de Arletty— están cubiertos de murales gigantescos, que le dan a cada escena una sensación teatral y perturbadora. El uso del color es hipnótico, reminiscente de los giallos italianos y de la estética psicodélica de finales de los 60. Cada plano parece sumido en una irrealidad deliberada, como si la película estuviera soñando con otra película dentro de sí misma. 

Cuando se estrenó, pasó casi desapercibida. La distribución fue mínima, y el título cambió varias veces —Dead People, Return of the Living Dead, entre otros— lo que contribuyó a su confusión y olvido. Pero como muchas obras malditas, encontró una segunda vida gracias a los cinéfilos y coleccionistas que empezaron a redescubrirla en VHS y DVD en los años 90 y 2000. 

Hoy, Messiah of Evil figura en listas de culto, y ha sido reivindicada por críticos como Kim Newman y revistas como Sight & Sound o IndieWire, que la incluyó entre las 100 mejores películas de terror de todos los tiempos. 

Entre las escenas más memorables —y que han asegurado su estatus legendario— están la del supermercado nocturno, en la que una mujer es devorada lentamente por una multitud de zombis silenciosos, y la del cine abandonado, donde el horror se manifiesta sin necesidad de un solo grito. Ambas secuencias son ejemplos de cómo el terror puede construirse desde el silencio, el encuadre y el tiempo. 

Una curiosidad poco conocida: la película se filmó en gran parte con recursos propios del equipo, y muchas de las localizaciones reales eran casas de amigos o escenarios tomados sin permiso. Pese a ello, lo que lograron fue un universo propio, una especie de purgatorio californiano al que solo se accede si uno está dispuesto a perderse. 

Messiah of Evil no es una película para todos. No da respuestas fáciles ni persigue el susto inmediato. Pero para quienes se adentren en su ritmo hipnótico y su estética espectral, es una experiencia inolvidable. Un eco de otra época, en la que el terror se cocinaba a fuego lento, y el miedo no era un sobresalto, sino una presencia que iba invadiéndolo todo, como el mar que amenaza con tragarse Point Dume.

Hellbender (2021): brujería, sangre y adolescencia salvaje en los bosques de Nueva York

En un rincón olvidado de los bosques de Catskill, Nueva York, nació en 2021 una pequeña joya del cine independiente de terror: Hellbender. Dirigida, escrita, protagonizada y musicalizada por una familia real —los Adams— esta película no solo se adentra en los rincones más oscuros de la brujería folclórica, sino que lo hace con una honestidad brutal y una estética tan cruda como poética.

Hellbender es una rara avis en la escena del terror contemporáneo. Fue realizada íntegramente por la familia Adams: John Adams, Toby Poser y su hija Zelda Adams. Juntos firmaron la dirección, el guion, la edición y gran parte de la música. El resultado es una obra profundamente personal que se siente tan artesanal como auténtica.

Rodada durante la pandemia del Covid, con medios limitados y en los propios terrenos boscosos donde vive la familia, la película encuentra en la naturaleza un personaje más: húmeda, densa, silenciosa, casi mágica. Esa atmósfera aislada y opresiva es clave para entender el viaje de su protagonista. 

Izzy (Zelda Adams) es una adolescente que vive en completa reclusión con su madre (Toby Poser). Le han hecho creer que sufre una enfermedad que la obliga a mantenerse alejada del resto del mundo. Pero la verdad es más antigua y aterradora: Izzy es una Hellbender, parte de un linaje de brujas cuyo poder se despierta con la sangre... y con la rabia. 

A medida que Izzy entra en contacto con el mundo exterior y con su propia naturaleza, comienza una transformación imparable. Lo que empieza como una historia de iniciación adolescente se convierte pronto en una lucha de poder ancestral, donde la maternidad y la magia colisionan. 

Visualmente, Hellbender es un híbrido fascinante. Combina la estética oscura del folk horror con el espíritu DIY (hazlo tú mismo) del cine punk. No faltan símbolos ocultistas, muñecos de vudú, escenografías chamánicas y secuencias psicodélicas que podrían haber salido de un videoclip pagano. Los paisajes y el entorno donde se ha rodado, es completa y absolutamente maravillosos. Bosques impresionantes, cascadas increíbles.. Una fotografía espectacular con unos colores potentes que resaltan los verdes y los tonos oscuros. Algo que da a toda la película un ambiente cargante y agónico.    

La música también es clave: el dúo musical H6LLB6ND6R, conformado por Zelda y Toby, proporciona una banda sonora con tintes metálicos y atmosféricos, que empuja al espectador a sumergirse aún más en ese universo inquietante y visceral. Es mas, la propia banda tiene algunas actuaciones en la pelicula, eso si, a modo de ensayo.. sin duda el toque rock nostálgico, le da un toque interesante para todos los que como yo, aman el rock / metal de los años 60, 70 y 80.  

Hellbender tuvo su estreno mundial en el Fantasia International Film Festival en agosto de 2021, y rápidamente captó la atención por su frescura y su enfoque único. Fue adquirida por la plataforma Shudder, especializada en terror, donde se distribuyó digitalmente a partir de febrero de 2022. 

La crítica fue generosa, The New York Times la llamó “una pequeña obra maestra de terror íntimo. RogerEbert.com la describió como “una visión aterradora del despertar femenino y el poder incontrolado". Y en Rotten Tomatoes, mantiene una aprobación superior al 95% entre críticos especializados. 

Lo que más se aplaudió fue su combinación de minimalismo técnico con ambición narrativa, su atmósfera hipnótica y la autenticidad emocional que solo puede surgir cuando una historia se vive, no solo se interpreta. Realmente es sorprendente que una película tan admosférica y siniestra, pueda haber sido rodada por solo tres personas durante la pandemia, sin prácticamente medios. 

Hellbender es más que una historia de brujas. Es un relato sobre el aislamiento, el poder, la sangre y el deseo de romper con lo heredado. Hecha con el corazón y las entrañas, esta película demuestra que, con imaginación, talento y una conexión real entre sus creadores, el cine puede seguir sorprendiendo desde los márgenes. 

Es una propuesta ideal para quienes buscan algo diferente dentro del terror: más sensorial, más simbólica, menos explicada... y mucho más poderosa. A mi me ha gustado, ha captado mi atención y me ha mantenido atrapado a la tv. No es una película de terror al uso, no tiene sustos, y la intriga se centra mas en conocer lo que pasa y descubrir que hay tras la admosfera y la propia evolución de los dos personajes protagonistas. Madre e hija..

Tampoco esperéis sangre, muertes y matanzas.. insisto, estamos ante una película admosferica de terror psicologico, donde el miedo esta mas en las emociones, y en la fuerza visual de la fotografía (por momentos onírica) que en las imágenes. Por tanto, si os gusta este estilo de cine, muy posiblemente os guste Hellbender. Si os gusta el folk horror, seguramente también encontréis el film de vuestro interés.  

A mi sinceramente me ha sorprendido, pues la portada no me transmitía demasiada confianza, pero tras darla una oportunidad, he descubierto una película muy interesante.

H0US3, una película sorprendente de ciencia ficcion y misterio española

Hoy os traigo una curiosa película española del año 2019, con un no menos curioso titulo. La dirige Manolo Munguia, y cuenta con la actuación de unos actores completamente desconocidos para el gran público español. Rubén Serrano, Roc Esquius, Miriam Tortosa, Anna Bertrán, Mariona Tena, Bernat Maestre, son algunos de sus nombres. A mi modo de ver, es algo a destacar con lo que gana la película, pues creo que un guion así, y una película así, no habría funcionado de la misma forma con actores famosos y renombrados, que en parte eclipsaran el trasfondo del film con sus rostros o actuaciones. 

De cualquier modo, en H0US3 nos vamos a encontrar una especie de película de misterio, ambientada en la ciencia ficción contemporánea, con un guion bastante original a mí entender,  y que debido a su escaso presupuesto no ha llegado a más. 

Básicamente se nos cuenta la historia de un grupo de viejos amigos, todos ellos informáticos, que tras muchos años sin verse, deciden reunirse en una casa del pirineo, para pasar un fin de semana y ponerse al día de sus vidas. A lo largo de velada, comienzan a desarrollarse los personajes y sus situaciones personales, terminando en una cena, donde comienzan a tratar temas demasiado técnicos referidos a la programación, y el futuro que nos espera como sociedad, al estar sometidos al control, vigilancia, y dependencia de las redes sociales o tecnología general. 

He de reconocer, que yo al menos soy un analfabeto absoluto en el mundo de la programación. Por lo que no me enteré de nada, sonándome a chino todo lo que se trataba en ella. No se si es cierto, si no es cierto, si tiene lógica, o si no tiene el más mínimo sentido. Haciéndose incluso largo el proceso en el que se va preparando el contexto para lo que posteriormente se va a contar.

Y es que, al final de la charla, uno de los protagonistas, saca el tema de wikilinks, la deep web y los archivos encriptados. Contando a todos los demás, que él ha conseguido hackear y acceder a esos archivos secretos, accediendo a datos y temas oscuros y terribles para la humanidad.

Para muestras, un programa que tiene en su tlf, el cual, permite por medio de la cámara de video, acceder al futuro… primero 30 minutos, y posteriormente 3 horas, llegando incluso a meses y días. Esto colapsa completamente a todos los invitados, quienes lejos de creerlo, necesitan comprobarlo por si mismos.. quedándose alucinando cuando ven que es real. 

Es en ese momento, cuando se plantean la posibilidad, de que el mundo esté siendo controlado por elites. Ya que.. si esa tecnología fue robada por wikilinks a gobiernos y potencias mundiales, significa que esos gobiernos ya la tenían y la están usando contra nosotros. ¿Pueden por tanto las elites mundiales adelantarse a los sucesos y controlar la sociedad a su voluntad?.     

Hasta ese momento, la película, si bien es cierto lenta, y en ratos aburrida, costando seguir la trata. Empieza a hacerse interesante, pues los personajes, comienzan a jugar con el nuevo juguete viendo el futuro que les espera. Las maquinas controlan el mundo, fuego, caos, muerte, incluso muchos de ellos eliminados y perseguidos por las elites mundiales que no desean que nadie sepa el arma tecnológica que tienen en sus manos.

Llega el momento final, el cual no os vamos a contar…. pues pienso que lo suyo es que veáis la película. Realmente H0US3 no es una película impresionante, pero si que es entretenida, y está al nivel de otras muchas del mismo estilo. El misterio que se crea es interesante, y el desarrollo de la misma, si bien en parte lento, no se hace aburrido, creando intriga por saber que está ocurriendo o que va a ocurrir.

Ciertamente tiene carencias en los efectos especiales, y en su espectacularidad, pero insisto, partiendo de la base del bajo presupuesto con el que contó, creo que el resultado es más que satisfactorio. Aportando un toque de originalidad muy interesante para el año en el que salió, 2019. 

Muy posiblemente, si alguna empresa grande del mundo cinematográfico, o un director con pasta comprara el guion, haría de H0US3 una película mucho más potente y espectacular. Pues la base la tiene, y el argumento es más que alucinante.. Los archivos secretos de wikilinks y todo lo que en ellos puede haber relacionado con la tecnología y lo que los gobiernos nos ocultan para tenernos bajo su control. 

Reseña de The Best Withim del 2024

 La siguiente película, cuyo tráiler había visto ya hace algunos meses, despertando en mí el interés propio de todo amante del genero hombres lobo. Se estreno el 26 de Julio del año 2024 en EEUU. Es una película británica, lo cual a mi modo de ver ya le da una garantía atmosférica y ambiental importante. Cuenta con la participación de actores como Kit Harington, Ashleigh Cummings, James Cosmo y Caoilinn Springall, todos ellos dirigidos por el director Alexander Farrel.

El film está basado parcialmente en la novela homónima del novelista neoyorkino Edward Levy, novela que no he tenido el gusto de poder leer, pero que a raíz de la película, ha despertado mi curiosidad. De cualquier modo, el propio título escogido para la película del 2024, no es que sea muy original, y se basa nuevamente en dos películas previas con el mismo nombre, basadas ambas a su vez igualmente en la novela de Farrel. 

Una de ellas de 1982, y otra de la década de los 90, basada esta, en la ya citada película del 82. Si bien hemos de aclarar, que ambas versiones poco o nada tienen que ver con la película del 2024. En esta nueva versión, nos encontramos un ambiente rural, oscuro, agónico, y marcadamente misterioso. Un ambiente que tontea considerablemente con el mito folklórico de la licantropía en la tradición europea. Dejando verse incluso toques y pinceladas propias del folklore del viejo continente, como el uso de pieles de lobo para facilitar la transformación del hombre en bestia.

No obstante creo que la película defraudará a todo espectador que se acerque a ella esperando ver un film de hombres lobo.  No lo es.. Tiene misterio, es lenta, es oscura, despierta curiosidad, pero no es un film de hombres lobo. Nadie va a ver transformaciones, ni asesinatos, ni investigación por saber que sucede o quien es la bestia. 

En esta película de Farrel, nos vamos a encontrar una familia compuesta por 4 personas, que viven aisladas del mundo civilizado en medio de un bosque de la Inglaterra rural. Allí, y con una apariencia de tranquilidad tensa, se va desarrollando una trama de misterio. Pues el matrimonio protagonista, parece tener un secreto que oculta a su propia hija. Todas las noches de luna llena, la mujer y el abuelo del clan, conducen envuelto bajo una piel de lobo al padre de la familia. Lo llevan en coche hasta una casa en ruinas aislada en medio del bosque, donde lo encadenan, y le dejan pasar la noche desnudo y aislado. Recogiéndole eso si, al día siguiente tras haber terminado el ciclo lunar.

La hija del matrimonio, llamada Willow, ve constantemente la misma escena desde su ventana en la habitación. Y como es lógico, se hace preguntas. Las cuales, no son contestadas ni por su madre, ni por su padre, con quien por cierto,  no parece tener una buena relación.  

Hasta este momento, la película me parecía interesante. El ambiente rural, oscuro, y misterioso, me despertó el interés por conocer y saber que estaba ocurriendo, y como lo desarrollaría el director metiendo un hombre lobo en medio de todo.

Más interesante me pareció, cuando el padre de la familia, en una charla con su hija, la cuenta ser el rey del bosque, y que alguna vez ella será la reina / princesa.. Intuía que la maldición de la bestia, sería pasada de alguna forma de padre a hija. Aún más intensa se puso la película, cuando Willow, la niña, picada por la curiosidad, sigue a su madre y padre hasta la casa abandonada, donde el hombre es encadenado nuevamente.. viendo una escena que el director no nos deja ver, pero que horroriza a la muchacha.

Todo este ambiente de “hombre lobo” dentro de la Inglaterra rural, se va alternando con secuencias a las por ese entonces no damos demasiada importancia, pero que tendrán un sentido al final de la película. Moratones y heridas en el cuerpo y rostro de la madre. O como esta, se cambia de ropa y se “arregla” para ir al pueblo, sin que su marido lo sepa, escondiendo el vestido usado, y el maquillaje en el coche.

Finalmente en la parte final de la película, es cuando nos enteramos de todo…Pues el marido consigue escaparse de uno de sus aislamientos lunares, amenazando a la familia escondida en casa convertido en un hombre lobo. Willow y su madre intentan escapar de la amenaza, dando pie a una secuencia final “home invasión”, que terminará con un escape y persecución por el bosque. Y que concluirá con la muerte del licántropo a manos de la propia hija.

Hasta ahí la película, no estaba del todo mal. Sin ser la mejor de las películas de hombres lobo, se dejaba ver, y el ambiente rural y misterioso, hacían que el film fuera entretenido. ¿Qué es lo que falla entonces?.. El intento del director de dar un trasfondo social a la película enfocada en el terror.

Y no es que ese sea el problema, si el planteamiento fuera así desde el principio, pero no lo es. Durante toda la película se nos deja ver un mundo de misterio y “terror”, que al final no tiene relación con la realidad del film. Pues todo surge de la imaginación de Willow, la niña del matrimonio, y de cómo esta encaja los malos tratos que sufre su madre a manos de su padre.

Un argumento que podría haber sido valido, incluso original, pero que el director no ha sabido llevar de forma realista y creíble a la película. Teniendo a mi modo de ver, muchas lagunas en el argumento inicial con respecto al final. ¿Por qué aíslan al padre si no es un hombre lobo? ¿por que le encadenan en una casa abandonada todas las noches de luna llena?.. Nunca sabremos una respuesta. Esta, y otras cuestiones semejantes, son las que hacen flaquear una película enfocada como de terror, que finalmente no tiene una moraleja de terror, sino de denuncia social. Ciertamente relacionada, y con un sentido común.. la imaginación de la niña, y como interpreta la experiencia vivida por su madre y familia, pero… No, lo cierto es que no me convence. Cojea bastante en ese sentido desde mi punto de vista.

De cualquier modo, The Best Withim, no es una mala película, es entretenida, y cumple su objetivo para cualquier persona que no sea amante del cine de hombres lobo.. Entretiene y pasas el rato. Eso sí, encantará a las feministas de pelos morados en los sobacos, deseosas de tener protagonismo y victimizarse en cualquier substrato de la sociedad actual. Pero como película de terror, para amantes del terror, no cumple las expectativas, solo os entretendrá.

Curioso cartel de el Hobbit de J R R Tolkien

Rebeca McDonald es la princesa Teegra

Impresionante trabajo de la modelo Rebeca McDonald, interpretando en papel de la protagonista de Tigra Fuego y Hielo. La caracterización es simplemente impresionante, y el trabajo espectacular. 

La película fue en 1983, la película fue fruto de la colaboración entre Ralph Bakshi y Frank Frazetta —que diseñaron a los protagonistas—. Fue distribuida por la compañía 20th Century Fox, que también había distribuido otra de las películas de Bakshi, Wizards, en 1977.

La animación fue realizada usando el sistema de rotoscopio, por el cual las escenas fueron filmadas en vivo y después dibujadas sobre el original. El guion fue escrito por Gerry Conway y Roy Thomas, que habían escrito las historias de Conan el Bárbaro para los cómics de la editorial Marvel. El dibujante elegido para diseñar los fondos fue James Gurney, autor y artista de las novelas ilustradas Dinotopia. Thomas Kinkade también trabajó en los fondos de varias escenas. El reconocido autor especializado en animación, dibujante y director Peter Chung, por entonces un novato en la industria, se encargó de los layouts.

He-Man - 1950s Super Panavision 70

Absolutamente impresionante e increíble, la versión de panavisión años 50 que se han currado de los Master del Universo. Por supuesto llena de fallos, y con muy poco cercana a la realidad del mundo de Eternia, pero en cualquier caso impresionante.

Esto abre el eterno debate de si Inteligencia Artificial si, o no.. yo personalmente creo que es algo imparable, y nos guste o no, ha llegado para quedarse. La IA abrirá un abanico de posibilidades relacionadas con el cine en los años que están por venir. Especialmente en el mundo de la disidencia cultural. Pues creo que con el paso de los años, y según la IA mejore, no serán necesarios directores de cine ni artistas para crear películas desde nuestras casas. 

Lo que vendrá a significar, que muchos artistas y directores podrán sacar sus cortos, quien sabe si películas de larga duración, esquivando la censura de la correción política impuesta por las elites. Veremos si me equivoco o no. 

 

THE FOREST | Horror Short Film

ADN una película curiosa de finales de los 90

Película de finales de los años 90, concretamente de 1997. Dirigida por el director Willian Mesa, y de nacionalidad norte Americana. ADN nos muestra una curiosa película que podríamos definir como; la fusión de Predator y Alien el octavo pasajero. Ya que en muchas partes del film, las secuencias son casi calcadas de ambas películas. Incluso el monstruo protagonista, parece una copia de Alien, con algunas cualidades propias del Depredador.

La trama se centra en un grupo de científicos, que descubren en el interior de una selva tropical, los huesos de un animal extinto. Tras recuperar el ADN de la bestia, uno de ellos, el malo de la película, decidirá traer a la vida el especimen, con el objetivo de vendérselo a países interesados en él para darle un uso militar. Algo así como un super soldado. 

La idea sale mal, y el especimen queda liberado en mitad de la jungla matando a sus creadores. Momento en el que nuestro protagonista Mark Decascos, a quien muchos le recordaréis por el papel de indio en la película de Pacto de Lobos. Se adentrará en mitad de las selvas para darle caza y averiguar que esta ocurriendo. 

ADN es una película de bajo presupuesto, que intenta seguir los pasos del éxito de Predator.. incluso copia los escenarios, y algunas secuencias de la película de 1987 protagonizada por el bueno de Arnold Swachzenegger, nuestro inmortal Conan el Bárbaro. 

En líneas generales es entretenida, aunque no esperéis nada del otro mundo. Tiene buenos paisajes, un guión de serie B con momentos absurdos, efectos especiales destacables.. La criatura en concreto es muy buena, y sorprende que esté tan bien caracterizada y trabajada para una película como esta, claramente sin mas pretensiones que ser  de serie B, pero poco más.

En líneas generales, yo diría que no es una película recomendada para gente que busque algo especial y demasiado profundo en su trama. ADN es una de las típicas muchas películas, que salían a modo de explotación en los 80 y 90, siguiendo la gloria de otras películas exitosas. Entretenida, fácil de ver, y predestinada a ser olvidada. 

Yo no perdería mucho tiempo en ella, a no ser que seáis auténticos fanáticos del cine de fantasía con monstruos en la jungla, experimentos genéticos, o de la propia Depredador. Si no es así, casi seguro que perderéis el tiempo al verla. 

Yummy, clínica zombi, del 2019.

Hoy os traigo una curiosa película de terror belga. Un país cuanto menos exótico, que no es recordado precisamente por tener un cine de terror especialmente interesante o popular. El film en cuestión se llama YUMMY, o lo que es lo mismo, Clínica Zombi, título con el que se la conoció en España.

Salió en el año 2019, y es dirigida por el director holandés Lars Damoiseaux, quien también tiene alguna que otra película tratando el mismo tema.. Silicona, clínicas, y zombis. ¿Por que digo esto?. Pues básicamente por que este es el argumento de esta película; buenas tetas, clínicas de estética y zombis.

Con un escenario así, como todos podéis suponer, estamos ante una comedia terrorífica ambientada en el siglo XXI. La cual comienza con un grupo de personas (dos mujeres y un hombre), que viajan en coche rumbo a una clínica de estética, en la que la protagonista del film, la impresionante actriz belga Maaike Neuville, pretende reducirse el tamaño de sus enormes tetas.

Al llegar a la clínica, la pareja, empieza a ver cosas raras que no terminan de convencerles para aventurarse en el quirófano. Aparentemente nada serio, simplemente cuestiones de protocolo clínico, limpieza y seriedad. Cosas que pronto se transformaran en problemas más serios, cuando el novio de la muchacha que pretende reducirse el pecho, descubre en los sótanos de la clínica, una mujer zombi atada.

La chica zombi desnuda de cintura para arriba, consigue escapar de sus ataduras, dando inicio a una epidemia zombi dentro de la propia clínica. 

En líneas generales Yummy, o clínica Zombi, es una película entretenida y desenfadada, con bastantes toques de humor negro. Algo absurda en su guión, y que no pretende ser galardonada con ningún premio más allá que el de entretener a los chavales un sábado por la tarde. 

En ella vais a poder encontrar todos los cliches típicos de las películas de zombis, pero ambientados en el interior de una clínica. Hay tías en pelotas, escenas sexuales cachondas, tetas, sangre, gore, y momentos surrealistas.. eso sí, a buen seguro el final os va a sorprender a todos. Y cuando digo a todos, digo a todos.

A mi personalmente es lo que mas me ha gustado, aparte de Maaike Neuville, que en esta película al menos esta tremenda. Como os decía, su final es de lo que mas me ha gustado, incluso diría que sorprendido y en parte disgustado, pues no me lo esperaba. 

Yo diría que Clínica Zombi es una película para los muy adeptos del genero, o para todos aquellos que quieran pasar un rato desenfadado, viendo una película que no requiere mucha atención, y es fácil de digerir.