Por fin vi Monster Island del 2024. Un intento de regresar al cine de los 70/80

Hoy os traigo una película del 2024. Una película estrenada en el festival de Sitges de ese mismo año, y que fue rodada a lo largo del 2023 en Indonesia. Yo vi el trailer de la misma hace algunos años, y quedé enganchado a su propuesta, pues las imágenes y la psinopsis me recordaban mucho a la gran película de La Isla de los hombres peces de 1979. Un film que todos los que ya mas o menos me seguís, sabéis que admiro y disfruto como pocos. 

Creo que la peli, la cual por cierto no he podido verla hasta ya entrado en 2026. Se puede encontrar en algunas plataformas de pago. Su título para el mundo anglosajón, es el de Monster Island, aunque también la podéis encontrar con su titulo original de Oran Ikan.

La peli se presenta como una de esas raras propuestas que parecen surgir de otra época del cine, una donde el espectáculo no dependía tanto del presupuesto como de la atmósfera, la imaginación y cierto gusto por lo artesanal. La película, dirigida por el cineasta indonesio Mike Wiluan, se sitúa en pleno conflicto de la Segunda Guerra Mundial y arranca con una premisa tan sencilla como efectiva: dos enemigos irreconciliables, un soldado japonés y un prisionero británico, sobreviven a un naufragio y acaban atrapados en una isla remota del Pacífico. Allí, sin embargo, descubren que su guerra personal carece de sentido frente a una amenaza mucho más primitiva y aterradora.

El rodaje tuvo lugar principalmente en Indonesia, en enclaves naturales como Sukabumi y el geoparque de Ciletuh, espacios que aportan una sensación de aislamiento y crudeza difícil de replicar en estudio. Esa decisión de filmar en localizaciones reales se percibe en cada plano: la humedad, la densidad de la vegetación y la sensación de encierro natural se convierten en parte esencial del relato. Wiluan, que ya había dirigido películas como Buffalo Boys y Motel Melati, demuestra aquí su afinidad por el cine de género y, especialmente, por ese espíritu del cine de aventuras y monstruos de mediados del siglo XX. No es casual que la película respire influencias de clásicos como Predator, la ya citada isla de los hombres peces, o incluso de la mítica Creature from the Black Lagoon, tanto en su estructura como en su criatura central.

Los protagonistas, interpretados por Dean Fujioka y Callum Woodhouse, sostienen prácticamente todo el peso dramático de la historia. Su relación, marcada inicialmente por la desconfianza y el resentimiento, evoluciona hacia una alianza forzada en la que el instinto de supervivencia supera las barreras culturales y políticas. Aunque sobre el papel esta dinámica ofrece un gran potencial dramático, varias críticas han señalado que la película apenas profundiza en ella, optando por un desarrollo más funcional que emocional.

Uno de los aspectos más llamativos de Monster Island es su apuesta por los efectos prácticos, algo que se agradece realmente. La criatura, inspirada en el folclore del sudeste asiático (el llamado “hombre pez”) está construida mediante prótesis y trabajo físico, lo que le otorga una presencia tangible en pantalla. Esta elección ha sido un acierto, y será celebrada por los amantes del cine clásico de terror, que veran en ella un guiño a una forma de hacer cine cada vez menos habitual. 

La película inició su recorrido en festivales internacionales, incluyendo su paso por el Festival Internacional de Cine de Tokio, antes de llegar a circuitos más amplios y plataformas especializadas en cine de género como Shudder. Su distribución fue modesta, acorde con su naturaleza independiente, y nunca aspiró a competir con grandes producciones, sino más bien a encontrar su público en nichos concretos.

En cuanto a la recepción, Monster Island ha generado opiniones divididas. Por un lado, hay quienes valoran su honestidad y su carácter de homenaje al cine pulp, destacando su ritmo ágil, su atmósfera y su fidelidad a los códigos del género. Por otro, no han faltado críticas que apuntan a la falta de profundidad narrativa, a personajes poco desarrollados y a una sensación general de ligereza que impide que la película deje una huella más duradera. En términos de impacto, no se puede hablar de un gran éxito ni comercial ni mediático; más bien ha transitado de forma discreta por el panorama audiovisual, aunque con cierta aceptación dentro del público aficionado al terror y a las criaturas clásicas.

Y es aquí donde entramos en una crítica por mi parte.. la película no está mal, se puede ver, y os gustará a todos los que sois aficionados al cine de monstruos de los años 80 y 90. Especialmente si os molaron las películas ya citadas de la isla de los hombres peces o el monstruo de la laguna negra. La admósfera y los paisajes son impresionantes, y el hombre pez, también me parece una pasada.. ¿donde fracasa entonces?.. en su guion y en la profundidad de la historia. 

A mi modo de ver, la historia es extremadamente simple, yo esperaba mucha mas trama, mucho más argumento, y no fue así. En líneas generales la historia es terriblemente lineal y simple. No me gusto, incluso diría que me decepcionó. Resultándome inevitable compararla con la película de 1979 de Sergio Martino. Dándome cuenta con ello, del magnifico cine que se hacía en aquellos años, y de lo difícil que va a resultar recuperar todos esos guiones en la actualidad. 

En la película de Martino, nos encontramos con un guion surrealista y cargado de profundidad y elementos "mágico fantásticos" que hace de la peli una gozada.. Seguramente por ello es irrealizable a día de hoy. En Oran Ikan por el contrario nos encontramos con una historia que parece que te va a descubrir un misterio terrible que gira en torno a la Isla, la criatura, y la guerra.. y por el contrario, no llega nada. El porque de todo lo que esta pasando es bastante simple, a la vez que insuficiente, y poco trabajado a mi modo de ver.

Quizá ahí resida su verdadero valor. Monster Island no pretende reinventar nada, ni ofrecer una lectura compleja sobre la guerra o la condición humana, aunque roce esos temas. Su objetivo parece más humilde y, al mismo tiempo, más claro: recuperar el placer de contar una historia directa, casi primaria, en la que el ser humano se enfrenta a lo desconocido en su forma más literal. 

A mi sinceramente me ha defraudado, seguramente porque esperaba mucho de esta peli, y porque presuponía un regreso a los guiones fantásticos de terror de los años 80. Y no, no ha sido el caso. Se me quedó muy corta, y me decepcionó bastante.. una oportunidad perdida de recuperar aquellas viejas películas que a todos nos gustaron y asombraron en los años 70 y 80. Las cuales por otro lado, es posible que no fueran entendidas por las gentes del presente, con la mentalidad del presente. 

El maestro de esgrima (1992)

Hace varios días que llevo buscando y viendo películas clásicas de los años 90. No me refiero a cine de terror o fantástico, sino a cine español clásico ambientado en épocas históricas de nuestro país. Muchas de ellas ya las había visto, pero por razones que desconozco, me vinieron a la mente repentinamente desde hace algunas semanas, animándome a verlas de nuevo para recordarlas y recuperarlas en mi memoria.. Así fue como llegué a la película que os traigo hoy. Todo un clásico histórico del cine histórico español. Os hablo, de la gran película de intriga política, romance, y honor que es El Maestro de esgrima. 

La obra cinematográfica se basa en la novela escrita en 1988 por Arturo Pérez Reverte llamada con el mismo título. Y aun cuando como viene siendo habitual, el libro suele ser mas profundo, reflexivo, y amplio en su contexto político, social y romántico con respecto a la película. Lo cierto es que el film respeta bastante el argumento base de la novela. 

En líneas generales nos encontramos con un argumento que gira entorno al conflicto político español del siglo 19, en los últimos años del reinado de Isabel II que terminaría con la revolución del año 1868.  

La película esta ambientada y rodada en Madrid, y la historia sigue a un prestigioso maestro de esgrima, interpretado por Omero Antonutti, un hombre íntegro, disciplinado y profundamente fiel a un código de honor que parece ya fuera de su tiempo. Su vida, regida por la rutina y la perfección técnica, se ve alterada cuando una misteriosa mujer, encarnada por Assumpta Serna, irrumpe en su mundo con el deseo de aprender una estocada secreta. Lo que en principio parece una relación de maestro y alumna pronto se transforma en algo más complejo, arrastrándolo hacia una trama de engaños, secretos y conspiraciones que reflejan la inestabilidad política del momento.

La película se rodó en 1992 en distintas localizaciones de España, recreando con notable detalle la atmósfera del Madrid decimonónico. A través de decorados interiores sobrios y elegantes, así como espacios urbanos cuidadosamente seleccionados, el filme construye un entorno verosímil que refuerza su tono contenido y casi melancólico. Las escenas de esgrima, lejos de presentarse como mero espectáculo, están tratadas con un rigor técnico que subraya su dimensión casi filosófica, como una extensión del carácter del protagonista. Ciertamente es una de las cosas que mas destacaría, los decorados y la excelente ambientación, que te traslada exactamente a le época, haciéndote casi un participe mas de los ambientes y escenarios. 

En cuanto a su recepción, la crítica valoró especialmente su cuidada ambientación, la solidez de las interpretaciones y el respeto hacia el material original, destacando la presencia de Antonutti por su sobriedad y profundidad. Sin embargo, algunos señalaron que su ritmo pausado y su tono contenido podían resultar excesivamente sobrios para ciertos espectadores, alejándose de un enfoque más dinámico o comercial. Algo que es cierto, pero que pienso, da personalidad a la película, distanciándola así de una obra comercial y pasajera, haciendo de ella por el contrario una obra de culto actual, precisamente por ese ambiente romántico, honorable y lento de su desarrollo. 

Como curiosidad, cabe destacar que esta fue una de las primeras adaptaciones cinematográficas de una obra de Pérez-Reverte, lo que contribuyó a consolidar el interés por trasladar su universo literario al cine.  Yo diría de echo, que es la mejor película del escritor trasladada al cine. Sin duda, y posiblemente, porque en la época en la que se rodó, aun no teníamos la matraca de la dictadura cultural woke, lo que permitió hace películas históricas mucho mas creíbles y realistas de las que se hacen a día de hoy. 

En conjunto, El maestro de esgrima se presenta como una obra que privilegia la atmósfera, la reflexión y el estudio del carácter por encima de la acción, ofreciendo una mirada elegante y sobria a un mundo en transformación donde el honor individual choca con una realidad política cada vez más incierta. Es una película que te mantiene constantemente dentro de una intriga política y misteriosa, pues a la sorprendente aparición de la mujer que contrata al maestro de Esgrima vasco llamado Astarloa, la van sucediendo una serie de crímenes y asesinatos de personajes relacionados con la aristocracia política del momento, que tienen como nexo común la amistad con el protagonista. Eso te hace estar atento a las escenas, pues aun cuando mas o menos puedes interpretar por donde van los "tiros", lo cierto es que no llegas a comprender la magnitud, ni el porque de todo lo que esta ocurriendo. 

El maestro de esgrima es una película que ya me gustó en su momento, y que tras verla mucho tiempo después, me ha gustado mucho más, pues como ya digo, aprendes a saborear ese cine sobrio, elegante, cuidado en diálogos y vestuarios, que ya no se hace a día de hoy. 

Muy recomendable para todos los que os guste el siglo 19 y las películas históricas españolas, el misterio y las conspiraciones políticas.  

Demon Speel un grupo que me ha dejado alucinando

Siendo de los 80, época dorada del heavy metal, y viviendo en el año 2026, es complicado poder quedar impresionado por grupos o bandas que toquen heavy en la actualidad. Pero lo cierto es que en esta ocasión, no solo quedé impresionado, si no absolutamente enganchado por el sonido de estos italianos que responden al nombre de Demon Spell.

La banda es  originaria de Catania, Sicilia (Italia),  formando parte de la nueva ola de bandas que recuperan el sonido clásico del metal de los años 80, con influencias claras de la NWOBHM y de grupos como Mercyful Fate o King Diamond. Algo que de entrada, y aun cuando ambos grupos son dos de mis preferidos, no tienen por que ser garantía de nada, pues a día de hoy hay bastantes bandas que dicen imitar a estos clásicos con bastante poco éxito ( a mi modo de ver). 

El grupo está formado por Federico Fano (voz), Francesco Bauso (guitarra), Riccardo Liberti (bajo) y Dario Casabona (batería). Algunos de sus miembros son veteranos de la escena metal italiana y han participado anteriormente en otras bandas del género metal de su país. 

El estilo de Demon Spell combina riffs de heavy metal tradicional, con unas claras, evidentes, y magnificas influencias de los primeros discos de Mercyful Fate. Voces agudas, estética oscura inspirada en temas de horror, maldad y ocultismo, y en líneas generales un ambiente que sin duda alguna te trasladará a la escena underground metalera de los años 80. 

Si sois fans de las bandas de Diamond, y de ese sonido de heavy setentero u ochentero.. No tengáis la mas mínima duda de que Demon Spell os va a gustar

En 2024 publicaron su primer lanzamiento importante, el EP “Evil Nights”, editado por el sello Dying Victims Productions. El trabajo incluye cuatro canciones: "Demon Spell”, “Black Wings”, “Dark Deceiver (Woman of the Black Oath)” y “Evil Nights”. Posteriormente, y ya entrando en este años 2026, el grupo lanzó su primer albúm completo bajo el título Blessed Be the Dark. Nuevamente guitarras y ambiente inspirado en los primeros discos de la magnifica banda Mercyfull Fate. Quizás no tanto en su voz, como en el sonido conseguido y en las rítmicas de sus guitarras. 

Por mi parte no puedo mas que recomendaros esta magnifica banda, especialmente si sois seguidores del sonido mas clásico del metal. Aquel que se hacía a finales de los años 70 e inicios de los 80. Por supuesto, si os gusta Mercyull Fate, no dudéis por un momento pegarle una escucha, pues estoy seguro que os va a gustar y os va a recordar gratamente aquellos años. 

Eorl Y Dreol contra Billidum el machaca cráneos. Relatos cortos ambientados en la tierra media.

Eógil y Dreol llegaron a la aldea de Snowhyrst, situada en las montañas blancas al sur de Rohan. Les enviaba el propio Rey de la Marca, Theoden Hum. hace tiempo a Edoras llegaban mensajeros procedentes de la zona, alertando al rey de Rohan, sobre la presencia de una amenaza procedente de las grutas carvernosas del interior de la tierra. Un monstruoso y gigantesco Troll llamado Billudum "el Machaca Craneos.  Había ascendido por los senderos oscuros y húmedos de las profundidades del mundo, sembrando el terror en las aldeas cercanas a su morada

Muerte, caos, y destrucción... poco a poco y noche tras noche, las villas de esa zona fronteriza con el reino de Gondor, iban siendo atacadas y devastadas por Billidum y algunos orcos salvajes que se unieron al Troll en su afán de crear la desidia y la muerte a su paso. Muchos hombres valientes y guerreros bravos habían caído bajo la gigantesca maza del Troll, causa por la cual fue apodado "Machaca Craneos".

Eógil y Dreol dieron caza a dos exploradores negros de Isengard varios días atrás, y tras llegar en sus corceles blancos de la raza Meara a Snowhyrst, preguntaron a su senescal por el incidente. Este les puso en la pista y camino para que llegaran a un bosque nevado situado a no muchas millas de distancia de la aldea. Un bosque en la falda de las montañas Blancas de Rohan, cubil de la bestia y de sus negros soldados de Mordor

Los enviados de Theodem dejaron sus Mearas atados a un arbola las puertas de la caverna, y tras hacer un fuego para sus antorchas con el fin de vencer a la oscuridad de la gruta, iniciaron un descenso por húmedas oquedades del interior de la tierra, en las cuales posiblemente nunca antes había caminado hombre alguno.

El olor a bestialismo y negrura era atroz, y pronto supieron que se encontraban cerca de la morada de Billidum.. Ahí estaba el monstruo, dormitando  y acostado sobre una roca. Los rohirrin se acercaron en sigilo, poco a poco hasta el, pero.. el olor a humano lo despertó, primero abrió un ojo, y olfateo el ambiente mas fuertemente. Carne humana!! pensó para si, Levantando con arrogancia sus 8 metros de atrocidad gigantesca.

Sin previo aviso, su maza cayó como un trueno sobre los dos guerreros, que con asombrosa agilidad lograron esquivarla. Los hombres de Rohan alzaron la vista hacia el troll, cruzaron sus espadas contra los escudos verdes marcados con el caballo blanco y se prepararon para el combate. ya no podían escapar, solo les quedaba combatir y vencer o morir, honrando así a las hazañas de los héroes de su pueblo. 

Billidum los miró fríamente, sonrió con maldad, y gruño con fiereza atronadora antes de cargar contra ellos. 

Un Domingo comiendo bocadillos gigantes en el bar Romantic de Guadarrama

Hoy me pasé por el Bar Romantic, un lugar popular y conocido del pueblo madrileño de Guadarrama. El lugar, si bien no es muy grande en cuanto a espacio, es conocido y precisamente en toda la comunidad de Madrid, por poner los bocadillos mas grandes de España. Y no engaña eh?, el bocadillo que suelen poner, es de una barra entera relleno de múltiples variables. Algo que junto a su buen precio es una razón mas que buena para ir a comer o cenar a el cuando visitas la zona. 

En esta ocasión no nos pedimos bocadillos, sino unas ración de patatas fritas con salchichas y varias salas, y una ración de oreja de cerdo con tomate, terminando con una porción de tarta de queso casera. Por si os interesa saber donde está el lugar, este se encuentra en el pueblo madrileño de Guadarrama, en la calle Marques de Santillana Nº 15 - Guadarrama (Madrid). 

Si vais algún día, ya me diréis que tal los bocadillos, las raciones y la experiencia como tal. 

El hombre lobo visitando el Videoclub

Los rohirrins de Angus McBride pasados por IA

Posiblemente estamos ante una de las imágenes mas icónicas del dibujante de historia y mundo tierra media que ha existido. Estoy hablando de Angus McBride. La lamina en cuestión, llamada Jinetes de Rohan, apareció en España en 1992 dentro del libro de Personajes de la tierra media de MERP, publicado en el país por JOC internacional. Si bien la escena fue pintada por el dibujante en los 80 para una edición del Señor de los anillos de Middle-earth Role Playing.

La escena estaba descrita como dos jinetes de rohan dando caza a unos orcos escploradores en las llanuras de Rohan. Los guerreros a caballo respondían a los nombres de Eógil y Dreol (nombres ficticios inventados para la imagen). McBride se basó en el mundo anglosajon del siglo VI y VII (cultura veldel)  para representar a los jinetes del reino de Rohan, como puede apreciarse claramente en sus indumentarias

Gracias a la IA, he podido re interpretar la escena dibujada hace ya mas de 30 años. Espero que esto sirva para renombrar a este autor ya difunto, y rendir honor a su memoria y trabajo. Sin duda alguna Angus McBride fascino a toda una generación ilustrando mundos y personajes, en un tiempo en el que no existía internet. 

Gorvak el guardian de las cavernas de las Ciénagas de Lúmbria

En las fronteras donde el mar se desangra en marismas eternas, existe una región que ningún mapa recoge. La llaman Las Ciénegas de Lúmbrina, un laberinto de aguas oscuras, raíces retorcidas y nieblas que susurran nombres olvidados. Bajo ese pantano, oculto tras grietas sumergidas y túneles de piedra salada, se extiende un reino subterráneo de lagos cristalinos y cavernas iluminadas por setas que brillan como constelaciones verdes.

Allí gobierna Gorvak, Rey del Submundo Pantanoso.

Su trono no es de oro ni de mármol, sino de coral negro y piedra húmeda. Está tallado en el corazón de la caverna mayor, donde el techo se alza como una bóveda de dientes de roca y el agua rodea la sala como un foso natural. Sobre las paredes, símbolos marinos narran la historia de su linaje: los primeros tritones que abandonaron el océano abierto para custodiar algo más antiguo que las mareas.

Gorvak no siempre fue rey.

En su juventud fue guerrero, portador de la Lanza de Marea Rota, hecha de coral endurecido y espinas abisales. Defendió a su pueblo cuando criaturas de limo y sombras emergieron del fondo del pantano, atraídas por el poder que duerme bajo las cuevas. Fue entonces cuando el antiguo rey, herido de muerte, colocó sobre su cabeza la corona de conchas talladas y lo nombró soberano.

Desde entonces, Gorvak gobierna con firmeza y silencio.

Su pueblo tritón no es como los de los cuentos marinos. No viven en palacios de nácar ni cabalgan corrientes luminosas. Son guardianes. Custodian un tesoro que no brilla… pero respira.

En la cámara más profunda del submundo, más allá del Lago Espejado y del Bosque de Setas Susurrantes, se encuentra el Corazón de Sal, una gema del tamaño de un escudo, cristalizada hace eras cuando el océano primordial retrocedió. Late suavemente, como un corazón verdadero, y mantiene el equilibrio entre el mar y las tierras pantanosas. Si el Corazón se apagara, el mar devoraría el mundo o el pantano se marchitaría hasta convertirse en polvo venenoso.

Muchos han intentado robarlo llegando hasta las entradas de las cavernas de su reino, para sobrevivir a los laberintos de piedras y corales.. Pocos han conseguido sobrevivir, y los que lo hicieron, no tuvieron tentativa alguna de regresar a las cavernas pantanosas de las ciénagas de Lumbria, donde gobernaba Gorvak, el rey de los tritones y guardián de la Gema de Sal

El último guerrero: Las raíces del mal. Película de fantasía medieval rusa del 2021

Hoy he visto una de esas películas que podría catalogar como una autentica delicia visual. Una película que me recuerda mucho a las viejas películas de fantasía de los años 80 y 90. Un film de fantasía, con toques cómicos, que recrea un mundo fantástico ambientado en el contexto cultural histórico ruso. A decir verdad, el cine ruso histórico y fantástico medieval, tiene la frescura de autenticidad que ya no se ve en el politizado cine occidental. Sometido a la corrección política  impuesta con calzador, y a la agenda 2030 globalista. Gracias a ello la inmensa mayoría de pelis de cine histórico ruso que veáis, tienen un lago que las hace especial en la actualidad. En parte, es como retroceder al cine fantastico de los 90 desde el presente. Una de ellas, es la que vamos a tratar a continuación. Película del 2021 llamada: El último guerrero: las raíces del Mal. 

En realidad se trata de una saga de tres películas de fantasía medieval. la primera es del 2017, y tenía el título de: el último guerrero. La segunda es: el último guerrero las raíces del mal, del 2021. Y la última: el último guerrero el mensajero del mal. 

De la que vamos a hablar es de la segunda de la saga. Dirigida por Dmitriy Dyachenko, la peli posee precisamente ese espíritu fantástico medieval con buenas dosis de folklore ruso del que hablábamos al inicio. Estrenada en 2021, la pelí continúa la historia del improbable héroe Iván y expande el universo fantástico de Belogorie (primera peli) con una ambición mayor y un tono que oscila entre la comedia y la épica de cuento tradicional.

Dyachenko, que ya había marcado el estilo de la primera entrega, dirige aquí con mayor confianza y mas fuerza visual. Su cine tiene algo de espectáculo familiar, pero también una ironía muy rusa: los héroes se quejan, los villanos tienen momentos absurdos y las situaciones épicas suelen romperse con un chiste inesperado. Bajo su dirección, la fantasía no se vuelve solemne; siempre hay una sensación de juego, como si los personajes supieran que forman parte de una leyenda que puede reescribirse.

La historia retoma a Iván, interpretado por Viktor Khorinyak, instalado en el reino mágico pero todavía inseguro de su papel como héroe. A su lado están Vasilisa, encarnada por Mila Sivatskaya, y un grupo de aliados que incluye versiones reinterpretadas de figuras del folclore eslavo. Entre ellas destaca la Baba Yaga de Elena Yakovleva, menos aterradora que en los cuentos clásicos y mucho más sarcástica, y el carismático Koschéi, que aporta esa ambigüedad moral tan propia de las leyendas. La química del reparto sostiene la película: cada personaje parece moverse entre el arquetipo y la parodia, lo que crea un tono muy particular, cercano al cuento pero con sensibilidad moderna.

El motor del relato es el regreso de una amenaza antigua que obliga a los protagonistas a viajar al pasado para descubrir el origen del mal que acecha a todo el reino / mundo de Belogorie. Ese viaje no es solo físico, sino también mítico: la película se sumerge en los tiempos en que surgieron los héroes legendarios y revela que las raíces de los conflictos actuales están enterradas en la memoria de ese mundo. En ese sentido, el film funciona como una exploración de la identidad y del destino, planteando la pregunta de si los héroes nacen o se construyen.

Uno de los rasgos más atractivos de la película es su profunda conexión con la mitología eslava. Personajes como la ya mencionada Baba Yaga, Koschéi el Inmortal o los bogatyres provienen directamente de los cuentos tradicionales, pero la película los reimagina con humor y cercanía. En lugar de presentar el folclore como algo distante o solemne, lo convierte en un espacio vivo donde los héroes discuten, se equivocan y evolucionan. Esa reinterpretación hace que el espectador, incluso sin conocer la tradición eslava, sienta que está descubriendo un mundo antiguo contado con un lenguaje actual.

Visualmente, la película refuerza esa sensación de cuento vivo gracias a un rodaje que combinó estudios en Moscú con paisajes naturales de Rusia, especialmente bosques y regiones montañosas que aportan una atmósfera casi pictórica. Los escenarios —aldeas de madera, lagos envueltos en niebla, fortalezas y bosques profundos— parecen sacados de ilustraciones clásicas de cuentos, pero están filmados con una energía cinematográfica moderna. El uso de efectos digitales se mezcla con maquillaje y prótesis prácticas, lo que da a las criaturas y personajes un encanto artesanal que encaja con el tono de fábula. Y esta es una de las cosas que mas destacaría de la película, razón en parte, por la cual me recuerda al cine de los 90.. muchos monstruos y seres fantásticos que aparecen, no están creados de forma digital, sino con las viejas mascaras de lates de toda la vida, que daban un realismo especial al cine de aquellos años. 

Entre las curiosidades que rodean la producción, destaca el hecho de que la película fue un gran éxito en taquilla rusa, consolidando la saga como una de las franquicias fantásticas más populares del país. Parte del diseño visual se inspiró en ilustraciones del siglo XIX de cuentos rusos, lo que explica la estética que combina lo luminoso y lo inquietante. Además, algunas fases de rodaje se solaparon con la tercera entrega, permitiendo mantener continuidad en el mundo y en los personajes. También resulta interesante el contraste deliberado entre el entorno medieval y el humor contemporáneo, con bromas y referencias modernas que refuerzan la idea de que Iván es un visitante entre dos mundos.

Al final, Las raíces del mal se siente como el capítulo central de una trilogía que crece junto a sus personajes. Tiene más escala que la primera parte, se atreve a oscurecer algunos aspectos del cuento y profundiza en el pasado mítico de su universo, pero sin perder el tono cálido y familiar que define la saga. Es, en esencia, una historia sobre la memoria, la amistad y el peso de las leyendas, narrada con la ligereza de quien todavía cree que los cuentos pueden cambiar el destino. 

En realidad no puedo mas que recomendaros la película, especialmente si sois aficionados al mundo de la fantasía medieval, o directamente si os gusta el folklore ruso. Creo que no os va a defraudar.. quizás como punto negativo, destacaría su larga duración, ya que en algunos momentos de la parte central final, puede resultar algo aburrida y pesada. Cosa que no eclipsa el resultado final de una película maravillosa, mucho más a día de hoy y con el cine que se hace. No os contaré mucho del cuento, ya que lo suyo, como en toda buena aventura, es que lo valláis descubriendo según se avance en la aventura..